Photographie et destruction - Henry de Waroquier

Obsédé par le désir de protéger son originalité créatrice des jugements hâtifs et des courants réducteurs du snobisme parisien, Henry de Waroquier fut un artiste double. La partie la plus apparente de son œuvre, celle qui connut de son vivant un remarquable succès et lui apporta l’indépendance financière, est constituée de travaux harmonieux et calmes, à l’effet décoratif appuyé. Ses paysages vénitiens structurés selon les goûts stylistiques en vogue lors de leur exécution en sont la parfaite représentation.

Mais dès 1934, ceux qui prenaient la peine de pousser les portes de son atelier découvraient une œuvre tourmentée, obsessionnelle, dévorée d’angoisse, dont la richesse n’a pas encore été pleinement reconnue. Cette œuvre a été fort peu diffusée, car Waroquier ne se souciait pas de faire connaître ces tableaux où il jetait la totalité de son âme. Il faut aller voir la Tragédie, fresque qui orne le Palais de Chaillot, pour se rendre compte de l’intensité que déployait cet immense artiste.

Cette œuvre secrète, commencée alors que l’artiste venait de dépasser la cinquantaine, devient vite si foisonnante que Waroquier ressent le besoin de l’organiser et d’en garder trace. Il se met à photographier chacune de ses réalisations et à annoter méticuleusement les tirages à l’encre. Par un de ces étonnants miracles de l’inspiration, ce qui avait commencé comme un moyen d’archivage nécessaire devient vite pour l’artiste un mode d’expression à part entière. Dans ses Visages aux multiples variations ou dans ses chimères fantastiques, Waroquier se met à rechercher l’image de sa sculpture, son idée plus que sa réalisation. Le reflet capturé à travers l’objectif lui devient bientôt plus cher que la pesante matérialité de l’objet sorti de ses mains. Il crée donc des sculptures périssables dont la trace photographique devient l'acte de création.

Bientôt, il cesse de transposer en plâtre ses sculptures en plastiline, de sauver de la destruction ses plâtres originaux. S’il ne cesse pas d’avoir recours au bronze ou à la pierre, il se met à s’intéresser aux matériaux éphémères. C’est ainsi que naissent de fugitives réalisations en papier déchirées, ou tracées à la craie sur des tessons réutilisés à l’infini. L’inventivité de Waroquier n’a plus de limite. Éponges, légumes du potager se métamorphosent sous ses doigts. Souvent, il met en scène ses sculptures dans des scènes d’action, organise entre elles des dialogues savoureux. Chaque fois la photographie garde la trace de l’œuvre que Waroquier s’empresse de détruire.

À certaines occasions, Waroquier fait appel à des photographes professionnels pour compléter sa démarche, notamment à Marc Vaux, lorsqu’il veut obtenir certains effets.

La comparaison avec ses propres clichés nous permet de prendre la mesure de l’originalité de Waroquier dans le traitement de la lumière. L’artiste ne recherche jamais la perfection de l’éclairage. Mettre en valeur sa sculpture lui semble une attitude servile.

Au contraire, il utilise le jeu des ombres et de la lumière comme un nouveau matériau sur lequel créer. Il se bat avec les ombres, provoque les reflets, joue sans remords avec des expositions limites. De même, les tirages qu’il réalise lui-même sont volontairement imparfaits, les taches d’eau, les piquages et les traces de colle s’insèrent d’eux-mêmes dans le processus créatif. Voici une sélection de ses œuvres, illustrées de poèmes autour de deux thèmes chers à Henry de Waroquier :

• Les visages humains qu’il voit comme un miroir du tragique ;
• Les grotesques, hybrides et animaux chimériques, produits d’expérimentations sans cesse renouvelées.